Review: A Little Bit "Mainstream"

Más de un mes sin actualizar. Y casi dos, desde la última vez que subí mi opinión sobre un disco. Hace rato que vengo pensando que, a fin de año sería bueno armar una especie de ranking, por un lado con los mejores discos del 2010, y por el otro, con las mejores canciones.

Muy lindas ideas, pero la cuestión, es que faltan muchos discos por escuchar, así que en este breve tiempo que queda hasta la llegada del 2011, el objetivo sería escuchar la mayor cantidad de discos posibles. Algo tonto dirán algunos, pero que importa, a mí me gusta jugar al periodista musical.

Así que, para adelantar algunos metros, les dejo este 5x1, que a decir verdad, no ha sido muy disfrutable, pero tarde o temprano, iban a llegar los discos flojos a Whatever.

Brandon Flowers – Flamingo

Fecha: 3 de Septiembre

The Killers había anunciado un descanso de las eternas giras, y poco tiempo después, su frontman sorprendía a todo el mundo anunciando lo que sería su primer disco solista. Excusa perfecta para seguir de gira por el mundo, algo que el mismo Flowers calificó como algo que no puede dejar de hacer.

La canción Crossfire fue la elegida para promocionar el álbum, haciéndonos esperar una sensibilidad pop de muy buen sabor. Pero para el pesar de la mayoría de los que escucharon Flamingo, el mismo no consigue ni siquiera equiparar en ningún momento el buen nivel de su sencillo estrella. El hombre nativo de Las Vegas, esta vez optó por alejarse por esos himnos de estadio típicos de su banda. Pero a la vez, tampoco fue su intención hacer un disco de baladas, dejando a Flamingo peligrosamente en un término medio que no termina de resultar efectivo. Y más allá de algunas genialidades, ya sea de los productores, o de la voz de Flowers (Pues la brillantez instrumental es casi nula), la mayor parte del disco cae fácilmente en el aburrimiento. Es que el gran problema del LP, además de la carencia de emoción, es la falta de energía, y al menos un poco de explosividad, cosa que solo se concreta a duras penas en la canción Was it something i said. Quizás lo menos criticable sean las letras, puramente personales, pero no por ello malas. Más allá de lo olvidable que es el disco, hay que dejar en claro que tampoco es algo terrible, pero sin dudas, es una decepción sabiendo de quién viene. Y el pensamiento que me queda flotando, es que quizás The Killers no es sólo Brandon Flowers, al contrario de lo que pensaba hasta hace muy poco.

Puntaje: 6.7

Linkin Park – A Thousand Suns

Fecha: 8 de Septiembre

Que cerrados que son algunos fans. La verdad me cuesta entender a aquellos que pretenden que su banda sea como AC/DC, y les venda el mismo álbum durante décadas. De por sí, me cuesta entender a los fans de AC/DC. Y Linkin Park, con este último disco, optó por ganar artísticamente, a cambio de que hordas de seguidores salgan a despotricar el nuevo disco, porque no suena igual a Hybrid Theory o Meteora. Yo, personalmente, celebro este disco. Y tiene sus errores, y algunas viejas mañas de la banda que me cuestan digerir. Pero que un tema como las armas nucleares sirva de puntapié un montón de cuestiones, como la guerra, la corrupción política, la lenta destrucción del mundo, y que todo eso derive en un álbum conceptual, me parece formidable. Pues precisamente, una de las cosas que más se evidencian en A Thousand Suns es el crecimiento lírico de la banda, a pesar de las típicas frases mariconas que embarran un poco sus buenas intenciones. Desde lo musical, como ya dije, no se trata precisamente de Ziggy Stardust o Aqualung, pero al menos, consigue algo fundamental: no aburrir. Canciones downtempo como Robot Boy, algo de rap alternativo, como en When They Come For Me, muchos interludios, fragmentos de discursos políticos, y siempre, mucho más cercanos a los sintetizadores y pistas electrónicas, que a las guitarras electricas. Sobre el final, The Catalyst, resume todo el concepto de la obra, a la vez de ser el punto más alto y enérgico. Sin embargo, hay canciones poco disfrutables, y en mi opinión, The Messenger termina siendo un mal final para el disco, precisamente, por esa maña que tiene por momentos Chester Bennington de cantar como Celine Dion. Quizás sea esa una de las pocas cosas que deban pulir para finalmente alcanzar una madurez total.

Puntaje: 7.3

Keane – Night Train EP

Fecha: 10 de Mayo

Keane es esa banda que nos gustó con Hopes & Fears, y nos hizo pasar otro buen momento con Under The Iron Sea. Con Perfect Symmetry nos decepcionó, y con este último trabajo sólo consiguió caer más bajo. Personalmente, no lo considero una decepción, pues el detestable hit “Stop For a Minute” (K’naan, entre este fiasco y el tema del mundial, mereces la sota), no me hacía esperar gran cosa de este disco. La electrónica Back In Time y la folkie Clear Skies se muestran como lo que más zafa del EP. Pero el resto del disco, mantiene el bajo nivel del single (hasta quisieron hacer la gran Pulp – Disco 2000, pero en lugar de Gloria, eligieron la famosa canción de Rocky Balboa). My Shadow, la última canción, resulta la mejorcita de todas, pero oh sorpresa, ya aparecía como bonus track en algunas ediciones de Perfect Symmetry. Lo de Keane me parece tristísimo, una banda que prometía mucho, pero que en lugar de crecer musicalmente, optaron por masificarse. Y tenemos ejemplos de sobra para saber que la “masificación” suele resultar contraproducente en lo artístico.

Puntaje: 4.0

Slash – Slash & Friends

Fecha: 31 de Marzo

La perfecta ejemplificación de un “compilado de canciones” más que de un álbum en sí. Cada una de los 14 temas cuenta con uno o más invitados de lujo, algunos de la talla de Ozzy Osbourne, Lemmy Kilmister, Iggy Pop… Y otros como Fergie, o Adam Levine de Maroon 5. Algo a destacar, es que cada canción suena muy propia al estilo del invitado, siendo Slash no más que el encargado del solo de guitarra, y algún que otro riff. Hablando objetivamente, ninguna canción es mala, pero cada oyente disfrutará más, seguramente, aquellas donde participan sus artistas preferidos, no por su figura, sino por que es su estilo musical característico. Dicho esto, mi canción preferida es By The Sword, con Andrew Stockdale de Wolfmother, y seguidas, Doctor Alibi con Lemmy de Motorhead, y la instrumental Watch This Dave, junto a Dave Grohl, y su ex-compañero en GNR y Velvet Revolver, Duff McKagan. Slash, por su parte, realiza un trabajo impecable, rescatando de la ruina las canciones menos consistentes, con sus geniales solos, pero, esperemos que en la próxima, no elija ciertos colaboradores que sólo le restan credibilidad al resultado final.

Puntaje: 7.5

Stone Temple Pilots – Stone Temple Pilots

Fecha: 21 de Mayo

Tengo que admitir que no soy un gran conocedor de la discografía de estos señores. Apenas conozco los típicos hits, como Plush, Sex Type Thing, o Interstate Love Song, temazos todos, pero la verdad, dudo que los Stone Temple Pilots de aquella época hayan sido tan flojitos como los que sacaron este disco. El single Between The Lines me había gustado mucho, así que, cuando elegía discos para este review, me pareció una buena idea hablar de este. Pero luego de esa buena impresión del primer tema, todo comienza a ir lentamente cuesta abajo. Y esa linda melodía de Cinnamon, que parece levantar el nivel, se ve totalmente opacada por las letras. Seriamente, hacía rato que no veía una letra tan estúpida, sin contar las que uno escucha accidentalmente en la radio. Influencias obvias, riffs que todos conocemos, y una total apatía y desgano, hacen de este un álbum olvidable. Maver, la última canción, nos deja un mejor sabor, lástima que para ese entonces, ya es demasiado tarde.

Puntaje: 6.4

Review: Interpol - Interpol

Preguntas de las que jamás se puede tener una respuesta certera, abundan, y existieron durante toda la historia del ser humano racional. Lejos de ser resueltas, los avances que realiza el hombre, y el paso de la historia, hacen que éstas sean cada vez más. Están aquellas personales, que le surgen a uno de sólo reflexionar. Pero también están aquellas que existen desde siempre, y han sido instaladas en el conciente popular. Cada ámbito posee sus propios cuestionamientos, y el rock, movimiento concientizador si los hay, no se escapa de ello. Y en lo que respecta a lo musical, es algo clásico formularse: ¿Un artista debe explorar la música, y buscar crecer e innovar, derribando los encasillamientos? ¿O debe ser fiel a su estilo, y crear una identidad propia, bien definida y reconocible? De los primeros, tenemos gente como los Beatles, Bob Dylan, David Bowie, The Clash, Radiohead, por nombrar algunos. Y de los otros, están AC/DC, Rolling Stones, Oasis. La única conclusión que sacamos de esto, es que es mucho más fácil enumerar artistas exitosos que han variado en su estilo, que nombrar algunos que hayan mantenido un sonido distintivo a lo largo del tiempo, siendo igual de exitosos.

Reconozco que, personalmente, prefiero a aquellos gustosos de experimentar, pero, ¿Quién dice que está mal mantener la misma fórmula? Muchos critican a estos últmos, al decir que en su sexto disco escuchan lo mismo que en el primero pero, ¿Si escucháramos ese sexto disco como si realmente fuera el primero que escuchamos de la banda? Seguramente apreciaríamos una calidad que, libre de prejuicios, es muy distinta. Admito ser bastante contradictorio al escribir esto, puesto que más de una vez he condenado a algunos por no arriesgarse a lo nuevo, y seguramente, en un futuro también lo haga. Pero de cualquier manera, me pareció una buena idea compartir esta reflexión. Me gusta pensar en la esencia inmutable de las cosas, pero por momentos, Heráclito parece tirar más fuerte de la soga.

Toda esta gran introducción para decir que el cuarto álbum de Interpol suena bastante parecido a sus antecesores. Y aún así, sin ser tampoco un gran disco, tiene varias canciones que consiguieron embobarme grossamente.

Interpol fue quizás la primera de varias bandas aparecidas en el siglo XXI, cuya principal influencia era el post-punk de Joy Division. El cuarteto estaba conformado por Paul Banks en voz y guitarra, Daniel Kessler en la guitarra, Carlos Dengler en bajo y teclados, y Sam Fogarino en la batería. Su álbum debut, Turn On The Bright Lights del año 2002, es considerado por muchos como uno de los mejores de ésta época. El álbum era todo un homenaje a la oscuridad típica de Joy Division, tanto por la música, la voz, y las letras. Con Antics, su secuela, buscaron mayor energía, siendo Our Love To Admire el más flojo de los tres discos. Y más allá de los retoques, Interpol siempre mantuvo su sonido.

Our Love To Admire fue duramente criticado, precisamente, por que la banda no apostó a algo distinto a lo anterior. Algo similar a lo que le pasó a Oasis con Be Here Now. Y sin embargo, Interpol (Ya sin Dengler en su formación) decide mantener su idea musical en este cuarto disco. Quizás ese sea el sentido de llamar al disco igual que la banda: porque representa el espíritu de Interpol.

Ante palabras como las que vengo empleando hasta aquí, corro el riesgo de que se interprete como una sobre valoración del disco, cuando no es esa mi intención. De hecho, el gran error del álbum, es que varias canciones suenan prometedoras, pero con el correr de los minutos, terminan pinchando esa ilusión que se nos generó en los primeros segundos. Barricade sea posiblemente el mejor ejemplo de ello, pues la demoledora introducción queda completamente opacada a partir de que Paul Banks comienza a cantar. Y lo mismo sucede en varios temas.

Sin embargo, también hay canciones como Success, Memory Serves, o Lights, que tranquilamente podrían figurar en el repertorio de las mejores canciones del grupo.

Este LP homónimo tampoco presenta cambios en la temática lírica. Sigue siendo fiel al formato “canción”, y hablando sobre sentimientos oscuros, bastante profundos por cierto, y por momentos encadenándolos a relaciones amorosas (El primer disco de ellos es mi favorito, pero sigo detestando ese “Stella, i love you, stella…”)

Los fans acérrimos de la banda seguramente amaran el disco. Los más escépticos, lo van a disfrutar siempre y cuando sean abiertos de mente. En cuanto a mí, quizás lo deguste mejor después de varias escuchas.

Puntaje: 7.7

Review: Philip Selway - Familial

Me parece más que oportuno empezar este review con una traducción casera de uno de los chistes disponibles en Drumjokes.com

Cuál es la última cosa que le diría un baterista a su banda?

- Hey chicos, que tal si probamos alguna de mis canciones?

Y si bien hay casos sobrantes de bateristas componiendo, no es muy común permitirle al encargado de los parches desenvolverse en esa función. El 30 de Agosto, con la salida de su primer disco solista, Philip Selway de Radiohead, pasó a ese selecto grupo donde figura gente como Ringo Starr, Roger Taylor, Dave Grohl, o Phil Collins (Lamentablemtente, este último también).

Alguien con la habilidad de ejecutar a la perfección temas como Pyramid Song, demuestra de por sí una excelsa habilidad musical. Y todo músico (todo artista en sí) busca crecer en su disciplina, por eso experimenta con nuevos instrumentos, nuevos sonidos, explorando nuevos terrenos. En esta oportunidad, Selway compone 10 canciones, y les agrega su voz y su guitarra.

El resultado es un disco folkie, sencillo, pero contundente. Mantiene una oscuridad constante, con melodías sombrías, pero que sin embargo, no deja de desprender sentimientos enternecedores por momentos. Phil nos susurra en cada canción, y nos habla, como tema general, sobre los lazos afectivos, y como repercuten en ellos la velocidad con la que se mueve el mundo. Las guitarras acústicas nos transmiten una sensación de intimidad constante, adornadas por loops computarizados, teclados, e instrumentos de cuerda, más la espontánea participación de músicos invitados.

Como dijimos, es un disco dotado de una bella simplicidad, ideal para relajarse, y escucharlo con auriculares en la cama o en un cómodo sillón.

Puntaje: 8.0

Ese puertorriqueño zarpado...

No se trata, obviamente, de algún “artista” del reggaeton. De hecho, una nota con este título, no podía hablar de nadie más que no sea Omar Rodríguez-López. Ese tipo que proviene de otro planeta, ese tipo que, definitivamente, canaliza los alucinógenos en cosas productivas, que toca la guitarra como pocos, que poco lo importa lucrar con su música, que no tiene miedo en experimentar, y que es el artífice, junto a Cedric Bixler-Zavala de la, posiblemente, mejor banda del nuevo milenio: The Mars Volta.

Omar no limita su trabajo únicamente a su banda, sino que también trabaja como solista, o en colaboración con otros músicos. Es así como consigue sacar alrededor de 4 discos por año, demostrando que, definitivamente, viene de otro planeta. Todo un Zappa moderno.

Hace rato que vengo pensando en sacar reviews de los discos de 2010 que, por distintas razones, no pude escuchar bien. Así que en este post, les adjunto mi critica sobre los 3 EP’s en los que Omar se involucró este año. El flaquito de anteojos, además, anunció un cuarto EP, posiblemente, para el mes de septiembre, del cuál, tarde o temprano, nos encargaremos en Whatever. Seguramente, más tarde que temprano. Y próximamente, hablaremos de otros discos olvidados de 2010.


El Trío de Omar Rodríguez-López – Ciencia de los Inútiles

Fecha: 14 de Febrero

En esta oportunidad, nos regala un hermoso álbum acústico, junto a la bella voz de su noviecita Ximena Sariñana, y un tal Aaron Cruz, en el contrabajo. Ciencia de los Inútiles representa un hermoso viaje, de poco más de media hora, impregnado de melancolía, envuelto con la mayor serenidad que nos transmite Omar con su guitarra acústica, en conjunto con el canto de Ximena, y la ausencia de toda clase de percusión. Las canciones llevan el nombre de los días de la semana, y sus letras, en español, reflejan un punto altísimo debido a su profundidad, su nivel poético, y por momentos, con metáforas casi indescifrables. Un álbum altamente recomendable.

Lunes


Puntaje: 8.7


Omar Rodríguez-López & John Frusciante

Fecha: 30 de Abril

En su segundo trabajo de este año, Omar vuelve a unir fuerzas con John Frusciante. Y digo vuelve porque el ex RCHP ya ha sido un destacado colaborador de The Mars Volta. Omar se ha encargado de manifestar como disfruta trabajar con Frusciante, y de la química que tienen en común. En este EP instrumental, ambos juegan con sus guitarras, acompañados de sonidos y efectos computarizados. Es inevitable intentar adivinar en cada track quién toca la acústica, quién la eléctrica, quien esta con las consolas, etc. Si bien está lejos de ser un mal disco, esperaba mucho más de la unión de dos grandes músicos como ellos. Pero no deja de ser un disco interesante.

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Puntaje: 7.9


Omar Rodríguez-López Quartet – Sepulcros de Miel

Fecha: 30 de Mayo

Una vez más, Omar se junta con John Frusciante, esta vez acompañados por Paul Hinojos en el bajo, y su hermano Marcel Rodríguez-López, en percusión. Como resultado, un disco súper experimental, hipnótico, lleno de sintetizadores psicodélicos, que por momentos se hace más funkie, otras veces más melancólico, siempre siguiendo la línea de la complejidad musical. Gran ejemplo de esta complejidad, son las extrañas estructuras rítmicas. Ideal para desmenuzarlo poco a poco, luego de varias escuchas.

(No conseguí temas para mostrarselos, sepan disculpar)

Puntaje: 8.2

Review: Arcade Fire - The Suburbs

Ya era hora de que me sentara a escribir sobre música alguna vez, no? Últimamente, ciertas responsabilidades me lo venían impidiendo, pero ahora que encuentro un tiempo libre, finalmente puedo escuchar el último disco de Arcade Fire, una de mis bandas favoritas, que ya salio hace varias semanas. Y obviamente, escribir respecto a él.

Vale aclarar que, de ahora en adelante, los reviews de discos se simplifican a lot. Esto significa, un texto breve, una foto del disco, una de la banda, una canción, puntaje, y a cobrar.

Pasemos a lo que nos respecta.

Arcade Fire emergió en el 2004 con su primer LP, Funerals, considerado por mí y muchos mas, como uno de los mejores discos de la reciente década. Una banda canadiense de más de 7 miembros, y liderada por el matrimonio entre Win Butler y Régine Chassagne, se destacaban por un sonido atrayente, melodías pop, letras filosóficamente profundas, y sobre todo, sus notables arreglos sinfónicos. Y no eran arreglos hechos por el productor. De hecho, la banda se extendía del uso de instrumentos tipicos del rock, para implementar acordeones, sintetizadores, violines, y demás instrumentos clasicos de cuerda, y atípicos para el rock.

En el 2007, su segundo álbum, Neon Bible, les daría mayor reconocimiento, y los pondría en un plano musical más oscuro que su antecesor. Y como si fuera poco, los haría compartir escenario con astros como David Bowie, o Bruce Springsteen.

Pasarían casi dos años entre el inicio de las grabaciones de The Suburbs, y su lanzamiento, el 2 de agosto de este año. Y ese largo tiempo convierte a este, en su trabajo más complejo y ambicioso hasta el momento.

En las 16 canciones que componen este disco, se encuentra una gran variedad estilística. Hay canciones que parecen salidas de sus trabajos previos, lo que no significa nada malo. En otras, muestran una faceta bien punk, desconocida hasta ahora. Tambien aparecen sonidos que recuerdan al viejo U2. Se destacan, a su vez, influencias del synthpop de los ‘80. Encontramos un tema mas folk, y como no podía faltar, aquellas canciones donde los arreglos orquestales se ponen al frente del resto de los instrumentos. Como siempre, Win canta la mayoría de las veces, y Régine, en dos o tres oportunidades.

Líricamente, quizás se pueda hablar de un disco conceptual. Las letras se inspiran en la juventud de Win, y su hermano William (También miembro de la banda), en el tiempo en que vivieron en los suburbios de Houston. Y arraiga, a su vez, los típicos cuestionamientos existenciales sobre la gente, la sociedad, la vida moderna, y la perdida progresiva de los valores. Pero esta vez, lo hacen mejor que nunca. Todo el álbum es un recuerdo muy personal, sobre el pasado, y a su vez, con estos profundos pensamientos sobre la adolescencia, como buscamos crecer, como nos limitan los demas, como vivimos vertiginosamente, etc. Cada canción parece un capítulo distinto de estos recuerdos.

Creo que estamos definitivamente ante uno de los mejores discos del año. La forma en que la música se conecta con las letras, y además, como han explorado esa música, resulta fenomenal. Este disco no es nada que no haya sido hecho antes, pero sin dudas, tiene una contundencia y un dinamismo, que muy pocos consiguen tener. De las 16 canciones, ninguna sobra, y en ningún momento nos aburren.




Puntaje: 9.0

The Dead Weather - Sea Of Cowards

No esperaba atrasarme tanto con el review, pero bueno, quizás a alguien le interese.

Una de las cosas que más llamó la atención durante el 2009, fue la gran cantidad de “súper-grupos” que fueron creados. Cuando hablo de súper-grupos, me refiero a aquellos compuestos por integrantes de distintas bandas conocidas.

Uno de esos proyectos, y quizás el más aclamado, fue The Dead Weather. Este grupo es liderado por Jack White, una de las grandes figuras de la década que acaba de terminar. El guitarrista, vocalista, y ocasionalmente pianista de The White Stripes y The Racounters, convocó a Dean Fertita, de Queens Of The Stone Age, como guitarrista. Jack Lawrence, compañero en The Racounters, se haría cargo del bajo, y la vocalista de The Kills, Alisson Mosshart, sería la voz de la banda. Sorprendiendo a muchos, White se haría cargo de la batería.

Con esta formación, lanzaron Horehound en julio de 2009, uno de los mejores discos del año. Un disco bien rockero, plagado de influencias propias del blues, con algo de electrónica en ciertos momentos. Un disco bien oscuro, que creaba una atmosfera propia del lejano oeste.

Lo que nadie esperaba es que, 9 meses después, publicarían un segundo LP. Lo llamaron “Sea Of Cowards”. Según Jack White, el titulo hacia referencia a todos aquellos cobardes que abundan en Internet, quienes insultan y generan conflictos, pero jamás revelando su identidad.

Tema por tema

Riff distorsionado al comienzo de Blue Blood Blues (Hace poco, ya tuve que hacer una nota donde el primer tema se llamaba Blue Blood), y sin demora, se suma la percusión, y esa excéntrica voz de nuestro querido Jack White. Un prólogo bien potente para el resto del álbum. 8.5

El que da inicio ahora a Hustle And Cuss es el bajo de Jack Lawrence, personaje secundario a mi gusto durante el primer LP. Si hay algo que transmite la música de esta banda es esa actitud peleadora, provocadora, que francamente, me fascina. Me fascina tanto como Alisson Mosshart cantando, convirtiéndose en la frontman de este track. 7.9

The Difference Between Us es un track primariamente electrónico, donde Dean Fertita deja la guitarra por los sintetizadores. Esa melodía oscura, casi escalofriante, sumada a esa letra ciclotímica, mas esa rebeldía tan natural de Mosshart, nos deja como resultado una de las mejores canciones de Sea Of Cowards. 8.7

Más sintetizadores para I’m Mad, un track que fielmente le hace honor a su nombre. La cantante repite ese “estoy loca” durante casi toda la canción. A la mitad de, esa canción casi housera, despliega toda esa energía rockera de la banda, para volver a esa locura electrónica sobre el final. 8.3

Die By The Drop, el primer single del disco, es cantada a dueto por Jack y Alisson. Y resulta una de los tracks mas furiosos, del estilo “medanganasderompertodo”. El riff de la guitarra en el estribillo resulta genial. El “I’m gonna take you for worse or better”, aludiendo sarcásticamente a los votos matrimoniales, no hace mas que seguir demostrando esa rebeldía blusera que tan bien caracteriza a The Dead Weather. 8.9

Arranque super blusero para I Can’t Hear You . En sí, toda la canción es posiblemente la más blusera del disco. Además de ser la que menos me llama la atención. 7.5

Qué canción sexual que es Gasoline. O al menos así la interpreto yo. Una melodía bien disparatada abre el track, con sonidos extraños durante las estrofas, y un virtuoso solo de guitarra durante la mitad del tema. 8.0

Poderoso riff de guitarra para No Horse. Letra bien dura, sobre una especie de “llanero solitario” (Esa cosa bien western es otra de las características de The Dead Weather). Se destacan los alaridos de arpía furibunda que emite Mosshart al final, seguida de toda la distorsión guitarrera, que marca el punto más alto del track. 8.2

En Looking At The Invisible Man, Mosshart le cede el microfono a White, y Fertita se encarga de los sintetizadores, bien distorsionados en esta oportunidad. De cualquier manera, para mí no deja de ser una de esas canciones “de relleno”. 7.8

Mas riff distorsionado para Jawbreaker, levantando muchisimo el nivel en esta oportunidad. Y otro muy buen solo de Dean Fertita, que para estas alturas ya me parece tan genial como White y Mosshart. 8.6

El último tema, Old Mary, cantado y compuesto enteramente por Jack White, le da un final escalofriante a Sea Of Cowards. Un muy buen tema, cuya letra probablemente ofenda a varios fervientes católicos. 8.2

Total: 8.2

Comentario Final

Lo primero que a uno se le viene a la cabeza, es que probablemente Sea Of Cowards sea el lado B de Horehound. Si bien este nuevo trabajo es más oscuro que su predecesor, no deja de seguir la misma línea, cosa aceptable para un segundo trabajo, y más teniendo en cuenta el poco tiempo de diferencia entre sus respectivos lanzamientos.

Sea Of Cowards es un buen álbum. Esperemos tener pronto más trabajos de White, aunque seguramente no será con The Dead Weather.

Review: Foals - Total Life Forever

Estoy a full: La semana pasada salieron “Sea Of Cowards” de The Dead Weather, “Night Train” de Keane, y “Total Life Forever” de Foals, en el cual nos dedicaremos esta vez. Y en pocos días, subiré los reviews de los otros dos discos.

Mi primera experiencia con respecto a Foals fue totalmente random. Un día, a punto de salir a hacer trámites, se me ocurrió que quería subir algún nuevo álbum al celular para escucharlo en el camino. Lo primero que se me vino a la mente fue “Oracular Spectacular” de MGMT, del cual había leído excelentes críticas. Pero me encontré con que los links estaban caducados, y tenía que descargar algo pronto, porque se me acababa el tiempo. Fue así como fui a parar con “Antidotes” de Foals. Jamás había escuchado nada de ellos, pero como había buenos comentarios lo baje. Lo cargue al celu, me puse los auriculares, y salí. Y la verdad, me entretuve bastante.

Foals proviene de Inglaterra, y está formado por Yannis Philippakis (Voz y guitarra), Jack Bevan (Batería), Jimmy Smith (Guitarra), Walter Gervers (Bajo), y Edwin Congreave (Teclados). En sus comienzos, se definían como un grupo de math rock, que luego fue mutando hacia formas más convencionales.

Su primer álbum, Antidotes, lanzado en 2008, recibió muy buenas críticas. Se trataba de un disco lleno de energía, funkie, que prácticamente te obligaba a bailar. Son muy pocos los discos que escuche tantas veces como este. Esas guitarras carentes de distorsión, esa voz herida de Yannis, la batería de Bevan, gran responsable del éxito del disco, las líneas de bajo que siempre se oían, formando en conjunto un disco redondo.

Según ellos, su segundo trabajo, Total Life Forever sería mucho menos funkie, y tomaría más elementos proggie. Sin más, analizamos tema por tema.

Tema por tema

Blue Blood nos proporciona una apertura downtempo, con piano, y la voz de Yannis con efectos de reverb. Cerca de los 2 minutos, su suman el resto de los instrumentos, para dar paso a una canción típicamente Foals, la cual se va haciendo cada vez más intensa. Notables son los arreglos en la voz. 8.5

La segunda canción, Miami, comienza con fuertes golpes de batería, y deriva en la extraña mezcla de melancolía y elementos funkies. Curiosamente, no pude encontrar la letra, pero lo que alcanzo a distinguir sobre la misma, es sobre el cuestionamiento que uno se hace sobre si esa persona (amigo, pareja, etc), estará con nosotros cuando la necesitemos. 8.0

A continuación, Total Life Forever, la canción que le da nombre al álbum. Uno cree que viene a ocupar el lugar que en Antidotes ocupaba Cassius, aunque carece de la potencia y energía de este ultimo. La frase del estribillo me parece genial: “Total life forever, will never be enough” 7.5

Black Gold, una de los tracks más largos, nos muestra con claridad los elementos que caracterizan a la banda: Golpes enérgicos, bajo con resonancia, guitarras agudas y delicadas, con el teclado repitiendo alguna nota. En conjunto, nos dejan una canción dinámica y bailable. Sin embargo, los estribillos muestran la otra cara, y sensibles frases como “Future is not what it used to be”, nos dejan con esa sensación de tristeza. 8.0

Y es aquí donde llega no sólo el mejor momento del disco, sino el mejor momento musical del 2010 hasta ahora: Spanish Sahara. Si, así de enamorado estoy de esta canción. Esa introducción ambient, bien minimalista, la explosión sobre el final, la voz, la letra. Y es verdad, no es una canción técnicamente virtuosa, pero esa sencillez es llevada a su máximo exponente, dejando una canción que, en caso de no emocionarte, seguramente es porque sos una ameba (mmm… chau objetividad, nos vemos en la proxima canción). Un claro ejemplo de que no hace falta ser Frank Zappa para hacer buena música. 9.5

Luego llega el single de Total Life Forever, This Orient. Una canción pegadiza, donde el teclado y los coros toman un papel fundamental. Como de costumbre, las letras estan abiertas a muchas interpretaciones. Quizás la mas apropiada es la de una sensación extraña, pero a la vez placentera y pacifica. Sino pregúntenle a ellos (aunque tengo la sensación de que tampoco deben estar muy seguros) 8.0

Fugue, no es más que un interludio de menos de 1 minuto, ejecutado casi completamente (salvo algún efecto del productor) por el piano. Queda la sensación de que esa melodía podría haber sido mucho más productiva.

Otra canción de la que me resulto imposible encontrar la letra es After Glow>. Una lastima, porque me parece otra de las mejorcitas. Comienzo tranquilo (lejos de la depresividad de Spanish Sahara) con mucho teclado, durante un buen rato. En la mitad, una explosion de guitarras, tambores y platillos, que desembocan en, a mi gusto, el momento más dance del disco. 8.5

Alabaster es otro de esos temas melancólicos, de los que, oh casualidad, tampoco pude encontrar las letras. Quizás, el escucharlo varias veces haga que lo disfrute mas, pero por ahora no me parece que aporte demasiado a lo ya hecho por las canciones anteriores. 7.5

El comienzo de 2 Trees, les va a resultar muy familiar a todos los que escucharon Antidotes. Un tema que demuestra una clara intención de relajar. Otro de los muy lindos temas de este disco. Si hubiera encontrado la letra hubiera sido mejor aún. 8.5

What Remains, el epilogo del disco, comienza con una muy linda melodía de piano, sumándose luego el bajo, la voz, y luego el resto de los instrumentos. Un final pesimista, que no deja de tener un muy buen nivel. 8.5

Total: 8.2

Comentario Final

Todos sabemos que las bandas deben evolucionar con el paso del tiempo. A veces esta evolución es intencional, otras es casual, pero siempre, al menos un mínimo cambio debe haber. En este caso, Foals ha encontrado una especie de equilibro, pues si bien se nota una mayor madurez musical, con sonidos mas profundos y letras mas serias, no nos resulta tan lejana a aquella banda que nos hablaba sobre inflar globos.

Las funciones de Smith y Gervers en guitarra y bajo respectivamente, no han sido modificadas. Los cambios se notan, por ejemplo, en la voz de Yannis, quien emplea diversas técnicas de canto, en lugar de mantener el mismo estilo que desarrollo durante todo el primer álbum. Otro cambio notorio, es la participación muchísimo mas activa de Congreave en teclados. Curiosamente, Congreave no tocaba ningún instrumento, pero ingreso como tecladista en la banda. La anulación total de los instrumentos de viento de Antidotes, y la mayor participación de teclados y sintetizadores resulta esencial en el sonido de Total Life Forever. El otro gran cambio es la menor participación de Bevan en batería. Ya no aparecen esos cambios de ritmo y estructura, ahora la sección rítmica es mucho más convencional.

Esperemos que para el próximo review se puedan encontrar las letras…

Review: MGMT - Congratulations

Qué decir de MGMT. En un principio, que si bien son una banda de cinco personas, están liderados creativamente por Andrew VanWyngarden (voz, guitarra), y Ben Goldwasser (teclados, sintetizadores, coros). Estos dos muchachos, son además la imagen de la banda, es decir que no se van a encontrar fotos (al menos, fotos oficiales) con los otros tres miembros. Por este motivo, muchas publicaciones señalan a MGMT mas como un dúo que como una banda. Redundancias que, creo yo, no tienen demasiada importancia.

Su primer álbum, Oracular Spectacular, publicado en 2007, los catapultó inmediatamente al éxito, con un pop inteligente y elaborado, con toques psicodélicos que hicieron rendir a los críticos a sus pies. Los dos grandes hits del disco, Time To Pretend y Kids, se han convertido en dos grandes himnos de la decada, y dos de las canciones que mas han sonado hasta hace poco.

Oracular Spectacular podía dividirse imaginariamente en 2 partes. En la primera, donde se encontraban los singles, estaban las melodías bonitas, pegadizas (aunque siempre enmarcado por cierta complejidad). Y en la segunda, el álbum tomaba un giro más psicodélico, menos pop.

Es en esta segunda mitad (podríamos incluir también el track Weekend Wars), en donde se han enfocado para realizar Congratulations, que salió a la venta el pasado 13 de abril. Con eso ya me adelanté bastante, así que mejor paso a las canciones

Tema por tema

El arranque es contundente. It’s Working nos mete de lleno en las potentes
guitarras, con fuertes golpes de batería, sin la necesidad de introducciones espaciales, ni nada similar. La letra, al menos como yo la interpreto, habla sobre lo que se siente al consumir drogas, aparentemente alucinógenos, como el éxtasis. La canción cuenta con breves cambios de ritmo, que en sí, no aportan demasiado. Esto no quita que no sea un muy buen tema. Para destacar, esos coros Beatles que aparecen bien avanzado el track. 8.5

Song For Dan Treacy es una de las tantas bizarreadas del álbum. Dan Treacy es el cantante de una banda conocida como Television Personalities. La canción, con un ritmo más acelerado que la anterior, es primariamente vocal, cedida por ese sintetizador vampírico que a mi, no sé porque, me causa mucha gracia, pero de una forma favorable. 8.0

El tercer tema, Someone’s Missing, nos propone un poco de relax luego del frenetismo del comienzo. En apenas 2 minutos y medio, marca un momento muy bonito dentro del álbum. El significado de la letra, resulta todo un debate, pues algunos creen que habla sobre la muerte, pero la gran mayoría (entre los que me incluyo) aún no consiguen enmarcar la lírica en una sola temática. 8.5

Y aquí nos encontramos con el single de Congratulations, Flash Delirium. A mi modo de ver, resulto ser una decisión excelente por parte de MGMT elegir este track para promocionar el disco. Es que creo que Flash Delirium, en sus 4 minutos, con la gran variedad de pasajes con los que cuenta (arranque “house”, guitarras bien rockeras, coros psicodélicos, momentos más calmos, y ese potente y orgásmico final), y esa letra totalmente delirante, carente de estribillo o repetición alguna, nos resume de que se trata todo el álbum. Y creo que este tema va a dar que hablar durante todo el año. 9.0

A continuación, I Found A Whistle, uno de los temas más bellos del disco, con esa melodía que nos transporta a las épocas doradas de los beatles. El teclado es el instrumento que mas sobresale esta vez, sumandose luego una guitarra acústica, la voz de Andrew, y sobre el final, la percusión, en el momento de mayor intensidad. Nuevamente, vuelven a jugar con esas letras que pueden generar muchas interpretaciones distintas. 9.0

La sexta canción, Siberian Breaks, resulta todo un esfuerzo creativo para MGMT. Y es que hablamos, ni más ni menos, de la obra épica de Congratulations, con 12 minutos de duración (el link que puse no es la versión completa). La variedad de pasajes, las distintas ideas unidas, las letras exuberantes de metáforas, forman en conjunto toda una belleza, plagada de una total melancolía. Escúchenla, no sé que esperan. 9.0

Cuando escuché por primera vez el álbum –habrán notado que leo las letras mientras lo escucho- una canción en particular quedó resonando pegajosamente en mi cabeza. Esa canción es Brian Eno, y creo que pocas veces una canción me hizo reír tanto. Brian Eno, es sin duda la canción mas divertida del disco, que rememora un encuentro que Andrew tuvo con el músico que le da nombre a este track. 8.5

Lady Dada’s Nightmare, es una canción instrumental, con el piano como principal protagonista. Sin ser una mala canción, difícilmente sea de los momentos más recordados del álbum. Y creo que esos gritos, si bien cumplen con el objetivo de generar escalofríos a los oyentes, no hacen más que arruinar el tema. Mención aparte merece la especulación que uno hace, sobre si el titulo es una referencia a cierta “diva” del pop 7.5

Y finalmente, Congratulations se encarga de cerrar su álbum homónimo. Una linda balada, sencilla, que nos habla sobre el lado negativo de la fama. 8.5

Total: 8.5

Comentario Final

Es mas que clara la intención de MGMT de alejarse de esos fantasmas llamados “Kids”, “Time To Pretend” y “Electric Feel”, que los encuadraron como una banda pop. No estoy diciendo que esos temas sean malos, pero definitivamente han tratado de demostrar que son mucho mas que eso. Y lo han conseguido.

Congratulations es, a diferencia de Oracular Spectacular, un álbum de rock. Cargado de psicodelia, sintetizadores, experimentación, pero rock al fin. Su primer álbum les dio cierta fama, y creo que para ellos, esa fama ya es suficiente, por lo que esta vez pudieron darse mayor libertad creativa, y poner a la venta un disco mucho menos “mainstream”.

El disco requiere varias escuchas, pero finalmente nos dejará con un sabor muy agradable.

Review: Jónsi - Go

La gran mayoría de las personas que se dicen conocedores del mundo del rock, buscan argumentar cuáles creen que han sido los mejores álbumes, las mejores canciones, las mejores bandas, etc. Entre estas discusiones, algunos comparten opiniones, otros no tanto, y otros, directamente manifiestan ideas enfrentadas. Pero sin embargo, aunque parezca algo imposible, existen algunos muy pocos casos indiscutibles, donde todos concuerdan en su grandeza. Y en este pequeño y selecto grupo, se encuentra Sigur Rós, banda proveniente de Islandia.

La banda más reconocida dentro del movimiento del post-rock, ha sido sin duda alguna, una de las bandas más creativas y originales de la pasada década. Uno reconoce fácilmente una canción de ellos con solo oír el falsete de Jónsi, su vocalista y guitarrista. Una banda que sabe sumergirte en una gran burbuja, y siempre sera un gran compañero cuando estés triste porque te peleaste con alguien, llegaste cansado del trabajo, o simplemente, querés desenchufarte del mundo.

Fue su álbum Takk en 2005, el que los consolidó en el éxito. En el 2009, los miembros anunciaron que se tomarían un descanso, debido en gran medida a la paternidad de la mayoría de sus miembros. Su lider, sin embargo, decidió embarcarse en un proyecto solista, del cuál hablare a continuación

El disco concebido por el islandés, recibió el nombre de “Go”, y fue lanzado el 5 de abril de este año. Go fue realizado con la ayuda de Alex Somers, su pareja (Jónsi es abiertamente homosexual), y el productor Peter Katis. En un principio, la propuesta ya no sería ese estilo que caracteriza a su banda, sino que se centraría en el baroque pop. Pero aconsejo no tomarse demasiado en serio esto, pues les aseguro que encontraran mucho del viejo Sigur en este álbum. Sin más demoras, pasamos al review.

Tema por tema

Go Do es la canción que da inicio al álbum, elegida además como el primer sencillo promocional del disco. Creo que lo que caracteriza esta canción es la forma en que se combinan los elementos electrónicos, junto con los instrumentos más genéricos. Por un lado, los beats programados, los loops de voz, junto a otros efectos. Y por el otro, la flauta, la guitarra acústica, y la bellísima voz de Jónsi, usando su tan característico falsete. Las melodías son un punto muy alto, y la letra, totalmente optimista, se mantiene a la misma altura. Cabe destacar la sensación “trance” que transmite el track, sumamente alegre y festivo. 8.5

A continuación, se encuentra Animal Arithmetics, que comienza con lo que parece ser una slide guitar, y una guitarra acústica de fondo, seguidos luego por una fuerte percusión, y la voz, esta vez mas calma. Sin embargo, la canción es pura energía, contando con un ritmo bastante acelerado. A los 2 minutos, comienza una muy linda bajada, la cual va creciendo cada vez más, hasta que la obra finaliza. 8.5

Tornado es la tercera canción, mucho más melancólica que las anteriores. Aquí es el piano quien toma el papel principal. Durante los estribillos se oyen unos arreglos de cuerda que a muchos les pondrá la piel de gallina. La canción progresa in crescendo, hasta su finalización. La letra, como la interpreto yo, habla sobre como uno acumula dolor y resentimiento dentro suyo. Una de mis canciones favoritas de Go. 9

La cuarta canción, Boy Lilikoi, retoma el aire positivo de las primeras dos canciones. El “lilikoi”, es un fruto redondo y amarillo, totalmente desconocido en esta parte del mundo. Vaya uno a saber a que se refiere Jónsi en este tema, cuando al principio dice “I want to be a lilikoi, boy lilikoi”. De cualquier manera, no deja de ser un muy bonito track. Otro dato interesante, es que se podía descargar gratuitamente desde el sitio del autor, para promocionar el disco. 8.5

Varias pistas de voces, a modo de coro, se encargan de abrir Sinking Friendships, uniendose luego una bella melodia de piano. Aparecen los sintetizadores, aunque de una forma no muy explicita. Sobre el final vuelven a aparecer esos coros que abren el track. Esta vez la letra nos habla sobre viejas amistades, de aquellas que se siguen extrañando con el paso del tiempo. 8

Kolnidur, se convierte en otra de las canciones más melancólicas de la obra. Uno de los puntos destacados, es que es el primer tema del álbum cantado en islandés. Hasta acá, fue el ingles el idioma predominante. Es por esta razón (y por vago, porque la podría buscar) que no me voy a aventurar a hablar sobre el significado lírico. La canción comienza con piano, y arreglos de cuerda, junto con la voz del islandés, esta vez susurrando, en su registro más grueso. Con el pasar de los minutos, los violines se vuelven cada vez más emocionantes, y en el final, Jónsi vuelve a utilizar su falsete tan característico. 8.5

Y aquí es donde vuelve a aparecer ese estilo que al menos a mí, me recuerda al trance. Around Us es una de las canciones más alegres del álbum, retoma las bellisimas melodías de piano, violines, y voces, combinados con los beats electrónicos, y otros efectos computarizados. Otro de mis tracks favoritos. 9

La octava canción, Grow Till Tall, en mi opinión es todo un homenaje del islandés al sonido post-rock de Sigur Rós, su banda, los cuales espero que vuelvan a trabajar pronto. Al igual que la canción anterior, nos habla sobre crecer y madurar. 9.5

Y para finalizar, nos queda Hengilás, un verdadero cierre épico a un disco, de por sí, épico. Aquí Jónsi nos susurra en islandés, transmitiendo una verdadera paz, terminando de redondear un álbum majestuoso. 9

Total: 9

Comentario Final

La verdad es que éste álbum me parece impecable. Aparentemente,a las grandes revistas musicales como NME, o Rolling Stone tambien han encontrado en Go un excelente trabajo. El puntaje mas bajo fue de un 8, por parte de Pitchfork Media.
Jónsi buscar transmitir pura belleza mediante sus composiciones, al igual que con su banda, por eso creo que esa sensación de inocencia, de pureza, se convierte en el común denominador de todo el disco. Como ya dije, esta vez el contexto de las canciones se vuelca en mayor medida al baroque pop, haciéndolo mas accesible y fácil de digerir. Por este motivo, me parece que Go es un buen punto de inicio para aquel que aún no se inicio en Sigur Rós. Los viejos fans, por su parte, seguramente entenderán esta evolución.


Disfrutenlo ;)

Facebutt

Harvie Krumpet + Mary & Max ;)

Querido blog, viendo y considerando que casi todas las veces que te escribo es para hablar sobre música (o mejor dicho, lo que yo considero música), y
que he pasado por dos experiencias “cinematográficas” (una en la tele y otra en la compu) más que interesantes, decidí que ya era hora de escribir sobre algo distinto.

Creo que fue hace dos semanas, un fin de semana un tanto gris, que me senté a mirar televisión. La tele y yo no nos frecuentamos demasiado, y cuando lo hacemos, la mayor parte de las veces es para encontrarme con algo que ya conozco de memoria (léase Mi novia Polly, Virgen a los 40, que ya las repiten hasta en Utilísima). La realidad es que la tele no es tan mala. Existen los canales de películas europeas, existen los de documentales... También existe I-Sat, y esa fue mi elección esa vez.

Me encontré con un corto animado, de esos que parecen hechos con plastilina, que resultó ser Harvie Krumpet. El corto, contaba la vida de Harvie, y l
a verdad es que me encantó.

Hace poco, buscando este corto por Internet, me encontré también con Mary & Max, una película de larga duración del mismo director, Adam Elliot, estrenada en 2009. Esta película, manteniendo el estilo y las características del corto que lo antecediera, contaba la amistad por correspondencia entre una niña australiana de 8 años, y un judío cuarentón residente en Nueva York.

La verdad es que no quiero darles más detalles de ninguna de las dos historias. Son dos trabajos sumamente emocionantes, que les recomiendo que vean. A más de uno le va a llegar.

Acá les dejo los links:

Harvie Krumpet
Link

Mary and Max
Link 1
Link 2
Link 3
Link 4
Subtitulos


Como insertar subtítulos



Que lo disfruten ;)

Temas destacados del 2009: Segunda parte

Y al fin, me senté un día a escribir, y complete esta segunda parte de las que para mi fueron las mejores canciones del 2009. Mi intención era publicarla una semana después de la primera parte. Terminé demorando mas de un mes (fuck!).


Phoenix – 1901


Album: Wolfgang Amadeus Phoenix
Release: 23 de Febrero

Este track de la banda francesa fue muy publicitado por diversas publicaciones. Resulta ser un Garage Rock, dinámico y melódico a la vez, muy al estilo The Strokes. Gran parte de la fama de este track se debe a que fue utilizado en una propaganda de Cadillac.


Placebo – Bright Lights



Album: Battle For The Sun
Release: 8 de Febrero (2010)

Despues de la publicación de Ashtray Heart / The Never-Ending Why, le tocó el turno a Bright Lights de ser el nuevo single, y definitivamente acertaron con su decisión. No sólo es uno de los temas más alegres de su discografia, sino que además es uno de los mejores temas de Battle For The Sun. La banda misma se encargo de dejar en claro que su último album seria el mas positivo y optimista de su carrera. La hermosa melodía del Sintetizador es el sello característico de esta canción que nos habla de empatía y resiliencia. Cabe mencionar que se hicieron modificaciones en el video que no aparecen en la versión del album.


Paramore – Ignorance



Album: Brand New Eyes
Release: 29 de Septiembre

Punk pop del bueno, Ignorance resultó ser la canción emblemática de Brand New Eyes, tercer álbum de estudio de los liderados por Halley Williams. Es notorio como la banda se ha ido alejando poco a poco de esa similitud con Evanescence que tanto los caracterizó, lo cual no ha hecho más que recibir críticas positivas.


White Lies – To Lose My Life



Album: To Lose My Life
Release: 12 de Enero

Anteriormente conocidos como Fear Of Flying, este trío inglés consiguió muy buenas críticas con su álbum debut, que los llevo a talonear a Coldplay, y a Kings Of Leon. Dentro del álbum nos encontramos con esta canción, del mismo nombre, totalmente disfrutable, que combina post-punk y synthpop de una manera excelente.


The Horrors – Who Can Say



Album: Primary Colours
Release: 11 de Mayo

Segundo sencillo de Primary Colours, nos muestra la faceta más shoegazing de la banda. Una linda melodía pop, con guitarra y sintetizador bien distorsionados, se convierten en los elementos claves de la canción.


Muse – Undisclosed Desires



Album: The Resistance
Release: 16 de Noviembre

Gran sorpresa fue para los que escuchamos The Resistance apenas salió, encontrarnos con esta canción, pues resultaba casi imposible relacionar a Muse con el synth-pop. Resultaba, porque con este track nos volvieron a sorprender, y para bien. El track resulta una mezcla de Depeche Mode, con algo de R&B al estilo de Timbaland. Toda una aventura para Muse. Según Bellamy, la letra es mucho mas personal, habla de él y su novia, y argumenta que el público “ya ha tenido suficientes canciones sobre cuestiones geo-politicas”. Personalmente, me vuelve loco ese slapping que hace Chris Wonstelholme con el bajo.


Julian Casablancas – 11th Dimension



Album: Phrazes For The Young
Release: 2 de Octubre

Otro que debuto como solista este año es Julian Casablancas, vocalista de The Strokes. Phrazes For The Young consiste en apenas 8 canciones, totalmente distintas a lo realizado por The Strokes, donde ha quedado 11th Dimension como abanderada. Una mas que divertida canción de pop/electronica, con guitarras sucias, y muy pero muy funkie.


Linkin Park – New Divide



Album: -
Release: 18 de Mayo

Uno de los singles más exitosos del año, New Divide fue compuesta como banda sonora de la película Transformers II. Orientada a ese estilo melódico pero potente, que la banda tan bien ha sabido manejar, la canción no cuenta ni con los versos raperos de Mike Shinoda, ni con los gritos hardcore de Chester Bennington. En su lugar, la canción esta repleta de distintos tipos de sonidos de sintetizador, como el de la introducción, o ese bien pesado y distorsionado pasando la mitad de la canción. Este último fragmento de la canción, personalmente, me resulta genial.


Mew – Introducing Palace Players



Album: No More Stories...
Release: 28 de Mayo

Otra de esas bandas que se inspiraron en gran medida en Radiohead, los daneses de Mew, sin embargo han sabido expandirse hacia otros estilos. Introducing Palace Players comienza con una introducción bien funkie, para luego evolucionar a la canción en si. Se destaca ese sucio riff de guitarra durante todo el tema, junto a efectos de sintetizador, más la armoniosa voz del líder, Jonas Bjerre, sumada a las letras misteriosas, como nos tienen acostumbrados.


Radiohead – Harry Patch (In Memory Of)



Album: -
Release: 5 de Agosto

Esta bellísima pieza sinfónica fue compuesta en memoria de Harry Patch, ultimo sobreviviente de la primera guerra mundial, quien había fallecido semanas antes, a la edad de 111 años. Thom Yorke comentó haberse sentido muy emocionado, al oir las palabras del veterano sobre los horrores de la guerra, en una entrevista realizada años atrás por la BBC. Los arreglos orquestales fueron compuestos por Jonny Greenwood, mientras que Thom se encargo de la letra.


Moby – Mistake



Album: Wait For Me
Release: 14 de Septiembre

Hermosa canción incluida en el último álbum de Moby. En esta oportunidad, el compositor se hace cargo además de ponerle voz al track. La canción comienza con sonidos de violines, una introducción que a más de uno le pondra la piel de gallina, para luego dar paso a las guitarras y los golpes dance, dando como resultado un tema sumamente emocional, y bailable a la vez.

Temas destacados del 2009: Primera parte

En el primer post del año, me pareció una buena idea repasar algunas de las mejores canciones que nos dejo el 2009. Creo que todos somos concientes de que la calidad musical promedio ya no es la misma de antes, pero eso no significa que no surjan buenas canciones.
Esta lista que les presento será dividida en dos partes (la segunda parte la voy a postear en breve), sin ningun orden en particular, es decir, solo las nombro, no se trata de ninguna clase de ranking. Les adjunto además mi opinión del track, con algo de información, más un link para escucharlo.
Por último, admitir que esta idea de surgió subitamente, por lo que sólo incluí temas que hayan sido publicados como singles, pues sería demasiado trabajo escuchar cada álbum completo.


Kasabian – Fire



Album: West Rider Pauper Lunatic Asylum
Release: 5 de Junio

Sin dudas, Fire es la canción estrella del último disco de Kasabian. Los ingleses han alcanzado mucha popularidad en este último tiempo, recibiendo halagos de nada más ni nada menos que los hermanos Gallagher de Oasis, entre otros. Fire es en esencia indie rock, con elementos de electrónica, y un feel muy western, perceptible a la primera oída.


Arctic Monkeys - Crying Lightning



Album: Humbug
Release: 17 de Julio

Humbug resultó marcar un cambio en el estilo de los monos, más oscuro y con pequeños toques psicodélicos, y casi con los mismos arreglos de su álbum antecesor, Favourite Worst Nightmare. Estos cambios se atribuyen a la madurez musical alcanzada por Alex Turner, en especial por su proyecto conocido como The Last Shadow Puppets. Crying Lightning ejemplifica muy bien este cambio con esa melodía oscura y casi paranoica por momentos, ya no tan explosiva y divertida como en sus anteriores trabajos.


Moby - Shot In The Back Of The Head



Album: Wait For Me
Release: 14 de Abril

Este nuevo trabajo de Moby nos muestra la versión más Indie del artista. Retornando a su sonido electrónico que lo hiciera famoso con Play, Moby decidió producir, grabar y mezclar este nuevo álbum en su propio hogar, y apenas publicitarlo por Internet. Esta canción, inclusive, podía descargarse gratuitamente en su página web. Un melancólico track instrumental, que emocionara a más de uno.


Bat For Lashes - Daniel



Album: Two Suns
Release: 6 de Abril

Este año vio la publicación del segundo álbum de la británica Natasha Khan, más conocida como Bat For Lashes. Y el tema que se encargo de hacerle (muy buena) publicidad a este album fue Daniel. Una canción Dream Pop oscura, sumamente atmosférica, con la relajante voz de Natasha, mas una lírica sumamente poética, son los sellos característicos de Daniel.


Muse - Uprising



Album: The Resistance
Release: 7 de Septiembre

Uno de los temas que más se recordarán de este año, que además marca el inicio de la etapa de mayor éxito de la banda. Primer single de The Resistance, vuelve a retomar las obsesiones de Matt Bellamy sobre conspiración y oposición a la autoridad, con un sonido denso y pesado, producto de la distorsión del bajo (que nada tiene que envidiarle a las lineas de bajo de electro house) el cual se va haciendo mas intenso, hasta culminar en el agudo guitarrazo orgásmico de Bellamy. Por otro lado, la voz de Matt suena mas gruesa que de costumbre, y el sintetizador juega un rol esencial en el desarrollo de la cancion.


Pearl Jam - The Fixer



Album: Backspacer
Release: 22 de Septiembre

Y es verdad, Pearl Jam no es el mismo de sus inicios, muchos años han pasado, pero Eddie Vedder y los suyos se han encargado de hacer de Backspacer un album solido, que dejara contento a sus fans. Según la banda, este álbum contiene mejores letras que sus anteriores publicaciones, debido principalmente a emplear el metodo de escribir la letra primero y luego componer la música (Generalmente, los artistas realizan el proceso inverso). Elegida como primer single, The Fixer mantiene algo de ese Grunge feel de antes. Destacables los cambios de compases en distintos momentos de la cancion.


Peter Doherty - Broken Love Song



Album: Grace / Wastelands
Release: 3 de Agosto

Primer album solista del ex Libertines, nos presenta esta cancion oscura, nostalgica, y con algo “beatle” en ella, que nos habla principalmente sobre la soledad.


Placebo - Ashtray Heart



Album: Battle For The Sun
Release: 21 de Septiembre

“Mi corazon de cenicero” grita el coro, y es imposible no sumar nuestra voz a ese coro. Guitarrazos distorsionados, sumados a la voz tan característica de Bryan Molko, hacen que este sea uno de los mejores temas del año para muchos. Segundo sencillo de Battle For The Sun, después de For What It’s Worth. Resulta extraño que este single haya sido publicado en todo el mundo excepto en el Reino Unido, donde se publico The Never-Ending Why. Otro dato adicional es que Ashtray Heart era el nombre de la banda antes de optar por llamarse Placebo


Foo Fighters - Wheels



Album: Greatest Hits
Release: 4 de Diciembre

Dave Grohl compuso esta canción junto a Word Forward como material nuevo para su recopilación de grandes éxitos, lanzada este año. Y es realmente una gran canción, que bien podría ser un clásico a futuro. Se pueden apreciar notorios arreglos de producción, sobre todo en las guitarras. La letra por su parte, un tanto pesimista, nos habla de frustraciones, y de “tocar fondo”.


Regina Spektor - Laughing With



Album: Far
Release: 18 de Mayo


Hacía mucho que no veíamos el rol de la cantante pianista, siendo tan bien ocupado. Si bien Regin Spektor lleva toda una trayectoria detrás, para muchos se nos hizo conocida recién con esta canción. Una hermosisima balada que nos habla de la fe y el destino.


The Mars Volta - Since We've Been Wrong



Album: Octahedron
Release: 26 de Junio
Video: http://www.youtube.com/watch?v=24o9O_wzceE

La banda de rock progresivo se encargo de grabar con Octahedron, lo que ellos llamaron su album “unplugged” (mas allá de haber instrumentos electricos). Este tema, ademas de abrir el album, fue elegido como single para promocionar el disco. Una balada genial, donde la base es la guitarra acústica, nos sigue demostrando las maravillas de las que son capaces Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodriguez-Lopez, una de las duplas creativas mas originales de la década.

The Horrors - Sea Within A Sea



Album: Primary Colours
Release: 17 de Marzo

Muchas publicaciones señalan Sea Within A Sea como uno de los temas del año, Primary Colours como uno de los mejores álbumes del año, y a The Horrors como la banda revelación de 2009. Y es que esta banda ha sufrido una gran evolución en este segundo álbum, dejando de lado ese garage rock del primer álbum. Y este tema en particular es una fenomenal mezcla de estilos: ritmo motorik acelerado, neo-psicodelia, algo de rock espacial, algo de ambient, sintetizador de krautrock, la voz suena distorsionada, no hay un estribillo. La banda ademas, utiliza una especie de look emo, y como si fuera poco, juegos de luces e imágenes a lo Velvet Underground. Toda esa mezcla en 8 minutos que, creanme, les van a parecer cortos.


En unos dias, la segunda parte... ;)